音乐剧《歌剧魅影》演唱风格的多元化

这是一色彩斑斓、张扬个性的时代。

人们尤其喜欢“浓墨重彩”、“独树一帜”，并以此作为标榜事物价值的必要条件。

整个世界趋于融合、交流，一步步成为“地球村”。由是，各种各样的元素，开始重新“整合”、“削减”、“变异”、“归纳”……

最能反映物质文明，莫过于精神文明。

因此，我们可以毫不费力地推断出：

在文化艺术领域，也在发生着各个门类学科之间的融合与变革－－这些学科与学科之间的不再是界限分明，而是通过“互相染色，互取精华，彼此借鉴”等形式彼此融合，甚至，产生出新的类别。

这一点在艺术领域－－精神文化的重要组成部分，尤其明显地表现出来。

音乐领域中最具生命力的新生事物，是产生于十九世纪末、综合戏剧、音乐、舞蹈的大众表演艺术：音乐剧。

作为一个有着远大发展前途的新生事物，音乐剧无时无刻不充斥着“古典与流行”，“传统与新潮”，“规矩与叛逆”等矛盾，它所具有的“艺术的综合性，现代性，多元性，灵活性以及商业性操作”等特征，使其恰好适应这个时代的潮流，进而以独具魅力的表演形式和演唱风格风靡世界。

这不仅仅因为它敏锐且清晰地捉住了时代的脉搏，更重要的是：它几乎涵盖了所有它所能涉及的领域－－并非是亦步亦趋的盲从，而是提取可以为它所利用的部分，转化到其体系中去。

每当人们提及音乐剧，都会不得不提到一个划时代的人物，那就是才华横溢而又独具个性的天才英国作曲家：安德鲁？劳依德？韦伯。

这位有着深厚古典音乐底蕴的音乐剧大师，为音乐剧开创了光辉灿烂的新时代。他的音乐剧作品如：《星光快车》、《爱的观点》、《约瑟夫和神奇彩衣》、《耶稣基督超级巨星》《猫》、《艾薇塔》、《歌剧魅影》等都已经成为经典音乐剧作品。

其中，《歌剧魅影》可称得上是一部完美地演绎古典音乐与现代流行音乐元素相结合音乐剧作品。该剧打破了传统意义上的各种音乐类型之间的界限，以高超的艺术技巧和演艺理念，把古典音乐和各种流行的音乐元素有机地融合在一起，具有浓郁的古典音乐韵味且极具现代感，无论是剧中气势辉宏的交响乐乐段还是温柔倾诉的优美旋律无一不使观众的心灵为之震颤。

《歌剧魅影》986年首演，于1988年获得七项托尼奖，是史上最成功的音乐剧之一。

可以说，这是一部折射着后现代魅力的剧作。首先它成功的改编了盖斯东？勒鲁（GastonLeroux，1868－1927）的原作小说，既保留了原作的风格又使之更适合舞台演出，提升了作品的可看性，其次，巧妙的戏中戏令观众徘徊于现实与虚幻之间。尤其是追逐幽灵的那一场戏，整个剧院，台上台下、四面八方响起了幽灵的声音，使观众置身其中，因为那句“我在这里”似乎就在他们的身边，就在隔壁的包厢，而那幕吊灯突然坠落的戏也着实令气氛紧张刺激到极点，前排观众的惊叫与台上演员的呼声连成一片，在这方面，舞台设计玛莉亚？布琼森自然功不可没。

该剧把古典歌剧和流行的情歌结合在一起，多样化的歌曲演绎风格，使它的魅力更加璀璨夺目：

《歌剧院的幽灵》是一首属于只听一次就让人欲罢不能的歌曲，男女主人公的合唱更是摄人心魂。

《夜之乐》就像夜晚的微风一样不知不觉潜人人的内心，令人不自觉地随着它的情绪而起伏律动。

《我唯一的请求》更是一首重量级的经典歌曲，它旋律含蓄隽永而不失激情，被奉为音乐剧中的情歌对唱的典范，至今在不同场合还广为传唱。

剧中歌曲是用古典与流行相交融演唱的，演员要有传统的意大利美声唱法的功底，但演唱中又要带进现代流行唱法的感觉。这对歌唱演员是一个考验，首演该剧的女主角沙拉？布莱曼就是当今歌坛上古典与流行融合唱法的代表人物。

再综观全剧，一首《AllIAskofYou》的旋律反复出现，罗尔与幽灵对这首歌的不同演绎表现了他们各自对于女主角克莉丝汀不同的爱情，最后这一主题在管弦乐中浮现，显示了爱情最终战胜了悲剧。

我们以看到，在剧中，情节的发展、人物刻画等几乎都是通过歌曲的演唱来诠释，不仅如此，歌曲也代表了剧中的音乐风格。因此“歌曲的演绎”可以称得上是音乐剧的灵魂。

作为经典音乐剧目，《歌剧魅影》中的歌曲歌唱风格所具有的典型意义，是不言而喻的。

它反映出的音乐剧演唱风格的多元化，更是值得我们探讨和深究：

（一）无法磨灭的古典主义烙印－－意大利美声唱法。

纵使音乐剧打着“叛经离俗”的旗号，也终究无法摆脱“古典歌剧”的影响－－这是由它的本源决定的。

追溯音乐剧的起源，便可将其来历“一目了然”：音乐剧演变自传统歌剧中的“轻歌剧”。实际上，轻歌剧是欧洲大歌剧和喜歌剧的继承，是一种音乐采用当代流行音调、旋律琅琅上口、歌曲融合歌剧风格、具有喜剧情节的一种艺术形式，轻歌剧在百老汇舞台上曾经有过几十年的辉煌历史，是音乐剧历史发展进程中的重要环节。

可见，轻歌剧本身就是歌剧与喜歌剧的“变体”，而音乐剧又演变自轻歌剧，将这一系列联系梳理清晰之后，或者我们可以这样说：

音乐剧是传统歌剧经过“整合”、“削减”、“变异”、“归纳”之后，以全新面貌出现在人们眼前、并以此吸引观众眼球的另一种意义上的“歌剧”。

而后，也就不难解释，为什么几乎所有音乐剧演员都有着美声唱法的深厚功底。

音乐剧对美声唱法的吸收与运用，使得发展空间越来越有限的美声唱法拥有了新的生命力：

它削减了自身“贵族性”，以愈加亲和姿态出现在广大观众面前，增加了通俗性，使它更容易被普通观众所接受。

《歌剧魅影》这是一部惊险、充满悬念的音乐剧，是韦伯音乐风格的全面生动体现。成功的刻画出一位可怕外貌下的幽灵所具有的善良人性的一面，和他在激烈的内心矛盾斗争中最终选择了光明的过程。可以说，这部作品使韦伯成功的进行了艺术升华，达到一个新的高度。这体现出韦伯对于音乐剧戏剧性的充分了解和音乐创作上深厚的功力。

而故事发生的地点－－歌剧院，使得该剧运用了严肃正歌剧中才会采用的音乐语言，不仅使用了大量的古典音乐，还在音乐剧中套入了歌剧唱段。

一曲《想念我》旋律跌宕起伏而流畅凄婉，感情内敛深沉，带有淡淡的忧伤。音域跨度大，曲式结构带有明显的流行音乐特征，其和声织体亦不乏浪漫主义时期的余韵。该曲由有着身后意大利美声功底的英国音乐剧名伶莎拉布莱曼演唱。

歌曲的铺垫部分，以直白的通俗方法演唱，感情真挚自然，豪不矫揉造作。而高潮部分却以一段闪烁着明亮光芒的花腔华彩开始，情感陡然转向为炽烈。

此时演唱者完全运用意大利美声演唱方法，而乐队却采用力度鲜明且具有强烈时代特质的流行音乐表现手段，来实现“古典－－流行”的完美过渡，最终使得两者无懈可击地结合成一体：既有通俗音乐的亲和力，又有艺术歌曲的美感。

在《歌剧魅影》我们可以很清晰地看出一些古典歌剧的传统，比如：

音乐成为主线，全剧往往没有对白，音乐贯穿始终，唱段由大量的咏叹调和必要的宣叙调组成。

这种形式其实与歌剧是非常相似的，不同的是在表现上使用了现代的音乐语言和舞台手段而已。

因此，要求演员具有一定的古典底蕴和唱功。

（二）颠覆性的大胆创新－－激情狂野的摇滚式演唱风格。

我们说过，任何一个得以存活且具有强大生命力的新生事物，都具有明显的时代感，甚至超出流行的前沿。

再看《歌剧魅影》创作的年代，二十世纪中叶，恰是西方摇滚乐大行其道的年代。所以该剧中时而出现的摇滚音乐风格，也就显得理所当然。

剧中音乐美妙而极富感染力，具有一种煽动情绪的力量。歌词也具有先锋特色，打破了传统音乐剧音乐必须配合剧情的规范，只注重某种情绪的表达，听上去似乎是在吟诗，嬉皮士式的歇斯底里的呼号或者梦吃般的呻吟。

此剧的演唱是在摇摆舞的音乐、光影的闪烁、与观众的参与、强有力的高音喇叭等结合中进行的，所以能给人们很深刻的印象及震撼。

伴随着摇滚音乐元素的加入，演员们也就不得不换上与之相匹配的演唱风格－－摇滚乐式的演唱风格。摇滚乐以震憾的视听效果著称，节奏力度饱满，音乐情绪极端而热烈，近乎疯狂。

剧中主题曲《PhantomoftheOpera》便是其摇滚风格的具体展现：

音乐的进入极为巧妙：低声部强有力的连续十六分音符鼓点“咚咚咚……”，烘托出一种“诡秘，毛骨悚然”的鬼魅气氛。而后，切入演员低沉直白的演唱，音域宽广，旋律线在上下八度的转换，带来情绪的澎湃转变。

使用这样的音乐语言不仅拓宽了音乐剧中歌唱诠释的表现手段及范围，还巧妙的让人们接受了严肃题材的音乐剧也可以用狂野的摇滚乐来诠释的观念。

摇滚风格，在演唱上，节奏是至关重要的部分，它是演唱者宣泄强烈感情的手段之一。演员嗓音也较具个性打破了传统意义上美声与通俗的限制，将摇滚乐演唱中类似于“嘶喊，咆哮”的摇滚乐演唱手段，与美声唱法融合到一起，同时加入具有古典风格的合唱来渲染歌曲所要表现的内容，以此来加强作品的时代感和表现力。

（三）自本土音乐元素中汲取营养－－民谣式的演唱风格。

英国民谣优美、典雅、耐人寻味，是真正的英国传统音乐，其主要的特色就是一种以乡土音乐，加配流行音乐来叙述故事的民歌，其乐曲自始至终都散发这一种慵懒而恬淡的意蕴，为疲惫繁琐的生活，注入一丝清新与安逸。

民谣式的演唱非常自然，有独特的音乐个性，旋律琅琅上口，贴近大众，深受人们喜爱。

许多时候，它比刻板教条的严肃音乐或是“歇斯底里”式的摇滚音乐更能洗涤人们疲乏而惶恐的灵魂。

《歌剧魅影》中，同样可寻见英格兰民谣的影子，尤其是在叙述故事情节的部分，尤为多见。《AllIAskofYou》全曲旋律并无过多大跳，流畅而简洁，弥漫着淡淡愁绪，犹如在诉说一个古老的传说。

随着时代的进步，生活节奏的加快，越来越多的人除了追求高品质的物质生活外，极渴望精神境界的满足和升华。

他们追求高雅的艺术，同时又希望艺术能通俗易懂。而音乐剧中，古典和流行的融合恰恰是迎合了人们这种对艺术的需求。其演唱风格更是为人们所推崇喜爱。

音乐剧之所以征服了世界观众，归根结底，是由于它的“借鉴、创新”。

而这一点，恰恰是我们这些声乐学习者应该深思的。